Studiare la pittura, il disegno, la scultura, non è solo attraversare la storia dell’arte, ma anche una scoperta di una avventura per entrare nell’opera e cercare di toccarla con mano in tutti i suoi dettagli che diventano la fonte di una creatività soggettiva. La conoscenza di diverse correnti artistiche è la storia di personaggi che si possono ancora toccare da vicino. Spiegando la fluidità dei segni di Matisse o quelli pastosi di Van Gogh, liquidi e trasparenti gli acquerelli di Klee, le pennellate veloci e tremolanti di Monet o lo gocciolamento di Pollock ci avvicineremo all'”agire” dell’artista diventando uno strumento di creatività e una possibilità di esprimerci comprendendo anche la “rottura” che gli artisti compiono nel panorama dell’Arte moderna e contemporanea
Si concluderà il 18 marzo 2024 l’importante mostra alla Collezione Peggy Guggenheim di Venezia intitolata “Marcel Duchamp e la seduzione della copia”. La mostra è a cura di Paul B. Franklin, studioso indipendente ed esperto di Duchamp e il catalogo è Marsilio Arte Editori.
La materia pittorica di Soutine estrae come un’escavazione nella roccia, la materia per portare i detriti non in frantumi, ma come elementi che si dispongono sulla tela come carne della forma e del soggetto rappresentato.
A volte è proprio il dettaglio che diventa un pezzo unico che ti trasporta direttamente verso un mondo rimpicciolito. Tutto allora entra dentro, come parte di una sensazione che ti fa abbandonare la sensazione di solitudine.
Kokoschka Illustratore, drammaturgo e poeta austriaco iniziò la sua attività avvicinandosi all’arte di Klimt. Inizialmente appaiono entrambi sottili e raffinati, ma ben presto Kokoschka si distacca dallo sguardo di Klimt per cercare e trovare il segno forte e deformante, pieno ed espressivo, di curve e non angoli, avvicinandosi al barocco austriaco tanto da definirlo “Barocchismo Kokoskiano”. Esso racchiude amore e angoscia a diversità dei principi del Barocco e la ricerca della bellezza esteriore.
Questo libro potrebbe apparire come un saggio, come una raccolta d lezioni, un glossario filosofico o anche un flusso continuo senza fine sul colore. La materia non si estingue in questa lettura anzi si anima e come in una matrioska sei spinto a fluttuante, a entrare in infiniti scompartimenti di una biblioteca vasta sul colore e altro.
Quando l’artista si cimenta nel ritratto, cosa dipinge o scolpisce? Il modello è il reale e l’opera è un’interpretazione?
Ciò che un colore riesce a esprimere è un impasto tra emozione e connessione con la forma che racchiude tale colore. Se lui è la fonte per la pittura del simile soggetto, l’elemento rappresentato deve soggiacere alla stessa provocazione d’emozione e relazione tra la pittura e l’opera conclusa?
Come si può contendere questa frase del grande pensatore e poeta, Guido Ceronetti: “ il giallo è dissolvente: un’umanità gialla è un’umanità spenta”.
Marcel Proust osservò in questo quadro come l’artista Renoir fosse riuscito a rendere contemporaneamente l’espressione “della poesia di una casa elegante e dei vestiti dei personaggi”.
Nella copertina troviamo scritto, in questo affascinante libro delle Edizioni di Via del Vento, “Testi Inediti e rari del Novecento”. Metto in evidenza questo dettaglio, non perché non l’avessi mai notato, ma perché mi fa piacere ribadire, che pubblicare testi inediti è per dare un “forte” messaggio. E’ importate pubblicare testi di artisti su artisti.
