Occorre un grande entusiasmo nell’esplorazione della
creatività artistica, della storia dell’arte figurativa degli ultimi
due secoli, ma anche della convinzione che l’esperienza artistica
per essere compresa e per diventare stimolante a sua volta di
espressione artistica, vada immersa in un processo che permette
questa esperienza e la sua traduzione in qualcosa di attivo e non solo
passivo e di personale e quindi anche di unico per ciascun essere.
Le forme artistiche che si accinge a
trasmettere e a scoprire dipendono da disponibilità ad accogliere sensibilità
diverse, quindi diverse suggestioni anche quelle che sembrano capovolgerci.
Si concluderà il 18 marzo 2024 l’importante mostra alla Collezione Peggy Guggenheim di Venezia intitolata “Marcel Duchamp e la seduzione della copia”. La mostra è a cura di Paul B. Franklin, studioso indipendente ed esperto di Duchamp e il catalogo è Marsilio Arte Editori.
La storia dell’arte non richiede uno stato mentale il cui lo studioso debba produrre parallelamente una documentazione sempre in ordine cronologico degli eventi e degli studi correlati.
La materia pittorica di Soutine estrae come un’escavazione nella roccia, la materia per portare i detriti non in frantumi, ma come elementi che si dispongono sulla tela come carne della forma e del soggetto rappresentato.
A volte è proprio il dettaglio che diventa un pezzo unico che ti trasporta direttamente verso un mondo rimpicciolito. Tutto allora entra dentro, come parte di una sensazione che ti fa abbandonare la sensazione di solitudine.
Kokoschka Illustratore, drammaturgo e poeta austriaco iniziò la sua attività avvicinandosi all’arte di Klimt. Inizialmente appaiono entrambi sottili e raffinati, ma ben presto Kokoschka si distacca dallo sguardo di Klimt per cercare e trovare il segno forte e deformante, pieno ed espressivo, di curve e non angoli, avvicinandosi al barocco austriaco tanto da definirlo “Barocchismo Kokoskiano”. Esso racchiude amore e angoscia a diversità dei principi del Barocco e la ricerca della bellezza esteriore.
Questo libro potrebbe apparire come un saggio, come una raccolta d lezioni, un glossario filosofico o anche un flusso continuo senza fine sul colore. La materia non si estingue in questa lettura anzi si anima e come in una matrioska sei spinto a fluttuante, a entrare in infiniti scompartimenti di una biblioteca vasta sul colore e altro.
Quando l’artista si cimenta nel ritratto, cosa dipinge o scolpisce? Il modello è il reale e l’opera è un’interpretazione?
Ciò che un colore riesce a esprimere è un impasto tra emozione e connessione con la forma che racchiude tale colore. Se lui è la fonte per la pittura del simile soggetto, l’elemento rappresentato deve soggiacere alla stessa provocazione d’emozione e relazione tra la pittura e l’opera conclusa?
Come si può contendere questa frase del grande pensatore e poeta, Guido Ceronetti: “ il giallo è dissolvente: un’umanità gialla è un’umanità spenta”.
Marcel Proust osservò in questo quadro come l’artista Renoir fosse riuscito a rendere contemporaneamente l’espressione “della poesia di una casa elegante e dei vestiti dei personaggi”.
